Anime dateres tilbake til fødselen av Japans filmindustri på begynnelsen av 1900-tallet og har dukket opp som en av Japans største kulturelle krefter i løpet av det siste århundret.
Mye av arbeidet som ble gjort de første årene var ikke cel animasjonsteknikken som skulle bli den dominerende produksjonsteknikken, men en rekke andre metoder: tavletegninger, maling direkte på filmen, papirutklipp og så videre.
En etter en ble mange av teknologiene som brukes i dag lagt til japanske animerte produksjoner - lyd (og til slutt farge); flersystemkamera-systemet; og cel animasjon. Men på grunn av fremveksten av japansk nasjonalisme og begynnelsen av andre verdenskrig var de fleste animerte produksjoner opprettet fra 1930-tallet ikke populære underholdninger, men i stedet enten kommersielt orientert eller regjeringspropaganda av en eller annen type.
Etterkrigstiden og fremveksten av tv
Først etter andre verdenskrig - i 1948, for å være presis - ble det første moderne japanske animasjonsselskapet, et viet til underholdning, til: Toei. Deres første teatralske trekk var eksplisitt i tråd med Walt Disneys filmer (like populære i Japan som de var overalt ellers). Et viktig eksempel var ninja-og-trolldomens mini-episke Shōnen Sarutobi Sasuke (1959), den første anime som ble utgitt teatralsk i USA (av MGM, i 1961). Men det kom ikke i nærheten av sprut av for eksempel Akira Kurosawas Rashōmon, som brakte Japans filmindustri under oppmerksomheten til resten av verden.
Det som virkelig presset animasjonen frem i Japan var skiftet til TV på sekstitallet. Den første av Toeys store animerte show for TV i løpet av denne tiden var tilpasninger av populær manga: Mitsuteru Yokoyamas Sally the Witch og "kid with his giant robot" -historien Tetsujin 28-go ble tilpasset TV av henholdsvis Toei og TCJ / Eiken. Ditto Shotaro Ishinomoris enormt innflytelsesrike Cyborg 009, som ble tilpasset til en annen stor Toei animert franchise.
Første eksport
Inntil dette tidspunktet hadde japanske animasjonsproduksjoner blitt laget av og for Japan. Men etter hvert begynte de å dukke opp i engelsktalende territorier, selv om de ikke hadde mye å knytte dem tilbake til Japan.
1963 varslet Japans første store animerte eksport til USA: Tetsuwan Atomu - mer kjent som Astro Boy. Tilpasset fra Osamu Tezukas manga om en robotgutt med superkrefter, ble den sendt på NBC takket være innsatsen til Fred Ladd (som senere også overtok Tezukas Kimba den hvite løven). Det ble en nostalgiprøvestein i flere generasjoner framover, selv om skaperen - en kulturlegende i sitt eget land - stort sett ville være anonym andre steder.
I 1968 fulgte animasjonsstudio Tatsunoko det samme mønsteret - de tilpasset en innenlandsk mangatittel og endte med å skape en utenlands hit. I dette tilfellet var suksessen Speed Racer (også kalt Mach GoGoGo). Mannen som var ansvarlig for å bringe Speed til USA, ville være ingen ringere enn Peter Fernandez, en enormt viktig figur i anime som spredte seg utenfor Japan. Senere ville Carl Macek og Sandy Frank gjøre det samme for andre forestillinger, og satte et mønster der noen få innsiktsfulle impresarios bidro til å bringe viktige anime-titler til engelsktalende publikum.
På det tidspunktet disse showene ble utgitt, var det få seere som skjønte at de hadde blitt omarbeidet for ikke-japansk publikum. Bortsett fra begynnelsen på nytt på engelsk, ble de også noen ganger redigert for å fjerne ting som ikke er akseptabelt for nettverkssensorer. Det ville ta lang tid før et publikum oppstod som krevde originalene som prinsipiell sak.
diversifisering
På 1970-tallet satte den økende populariteten til TV en stor rolle i den japanske filmindustrien - både live-action og animasjon. Mange av animatørene som hadde utelukkende arbeidet med film, graviterte tilbake til TV for å fylle det voksende talentbassenget. Sluttresultatet var en periode med aggressiv eksperimentering og stilistisk utvidelse, og en tid der mange av de vanlige troper som ble funnet i anime den dag i dag ble laget.
Blant de viktigste sjangrene som oppsto i løpet av denne tiden: mecha, eller anime som omhandler gigantiske roboter eller kjøretøy. Tetsujin 28-go hadde vært den første: historien om en gutt og hans fjernstyrte gigantiske robot. Nå kom Gō Nagais outlandish battling-robots episke Mazinger Z, og det enormt innflytelsesrike Space Battleship Yamato og Mobile Suit Gundam (som skapte en franchise som fortsetter uforminsket til i dag).
Flere show dukket opp i andre land også. Yamato og Gatchaman fant også suksess i USA i sine omredigerte og omarbeidede kolleger Star Blazers og Battle of the Planets. En annen stor hit, Macross (som kom i 1982), ble forvandlet sammen med to andre show til Robotech, den første anime-serien som gjorde store innhugg på hjemmevideoen i Amerika. Mazinger Z dukket opp i mange spansktalende land, Filippinene og arabisktalende nasjoner. Og den tidligere serien Heidi, Girl of the Alps hadde funnet stor popularitet over hele Europa, Latin-Amerika og til og med Tyrkia.
Åttiårene så også fremveksten av flere store animasjonsstudioer som ble banebrytende og trendsettere. Tidligere Toei-animatør Hayao Miyazaki og hans kollega Isao Takahata satte opp Studio Ghibli (Min nabo Totoro, Spirited Away) i kjølvannet av suksessen til deres teaterfilm Nausicaä of the Valley of the Wind. GAINAX, senere skaperne av Evangelion, dannet seg også i løpet av denne tiden; de startet som en gruppe fans som laget animerte shorts til stevner og vokste derfra til en profesjonell produksjonsgruppe.
Noen av de mest ambisiøse produksjonene fra denne perioden var ikke alltid økonomisk vellykkede. Gainax sin egen og Katsuhiro Otomos AKIRA (tilpasset fra sin egen manga) klarte seg dårlig på teatre. Men en annen viktig innovasjon som kom på XNUMX-tallet, gjorde det mulig for disse filmene - og omtrent hele anime - å finne et nytt publikum lenge etter utgivelsen: hjemmevideo.
Video revolusjonen
Hjemmevideo forvandlet animeindustrien i åttitallet enda mer radikalt enn TV hadde. Det tillot uformell gjentagelse av et show bortsett fra kringkastingsplanene til kringkastere, noe som gjorde det mye lettere for døde fans - otaku, som de nå begynte å bli kjent i Japan - å samles og dele sin entusiasme. Det skapte også et nytt delmarked med animerte produkter, OAV (Original Animated Video), et kortere verk opprettet direkte for video og ikke for TV-sending, som ofte inneholdt mer ambisiøs animasjon og noen ganger også mer eksperimentell historiefortelling. Og det skapte også en nisje bare for voksne - hentai - som fikk sitt eget fandom til tross for sensur både i inn- og utland.
LaserDisc (LD), et bare avspillingsformat som skryte av førsteklasses bilde- og lydkvalitet, dukket opp fra Japan på begynnelsen av åttitallet for å bli et valgformat blant både vanlige videofiler og otaku. Til tross for sine teknologiske fordeler oppnådde LD aldri markedsandelen til VHS og ble til slutt formørket fullstendig av DVD og Blu-ray Disc. Men i begynnelsen av nittitallet var det å eie en LD-spiller og et bibliotek med plater for å gå med den (så få steder i USA leide LD-er) et kjennetegn på ens alvor som anime-fan både i USA og Japan. En stor fordel med LD: flere lydspor, noe som gjorde det i det minste delvis gjennomførbart for LD-er å inneholde både den dubbede og tekstede versjonen av et show.
Selv etter at hjemmevideoteknologien ble allment tilgjengelig, fantes det få dedikerte kanaler for distribusjon av anime utenfor Japan. Mange fans importerte plater eller kassetter, la til sine egne undertekster elektronisk og dannet uoffisielle tape-trading klubber hvis medlemskap var lite, men intenst hengiven. Så begynte de første innenlandske lisensgiverne å dukke opp: AnimEigo (1988); Strømlinjeforme bilder (1989); Central Park Media (1990); som også distribuerte manga; AD Vision (1992). Pioneer (senere Geneon), utviklerne av LaserDisc-formatet og en stor videodistributør i Japan, opprettet butikk i USA og importerte show fra sin egen liste (Tenchi Muyo) også.
Evangelion, “sent på kvelden anime” og internett
I 1995 opprettet GAINAX-regissør Hideaki Anno Neon Genesis Evangelion, et landemerke som ikke bare galvaniserte eksisterende anime-fans, men også brøt gjennom til vanlige publikum. Dens voksentemaer, provoserende kulturell kritikk og forvirrende slutt (til slutt revidert i et par teaterfilmer) inspirerte mange andre forestillinger til å ta risiko, å bruke eksisterende anime-troper, som gigantiske roboter eller romopera-plotlines, på utfordrende måter. Slike show tjente en plass for seg selv på både hjemmevideo og sen kvelds-TV, der programmer rettet mot modent publikum kunne finne en tidsluke.
To andre store krefter oppsto mot slutten av nittitallet som hjalp anime med å finne et bredere publikum. Det første var Internett - som, selv i de tidlige oppringingsdagene, betydde at man ikke trengte å grave gjennom utgaver av nyhetsbrev eller vanskelig å finne bøker for å hente solid informasjon om anime-titler. Postlister, nettsteder og wikier gjorde det lettere å lære om en gitt serie eller personlighet som å skrive et navn i en søkemotor. Mennesker på motsatte sider av verden kunne dele sin innsikt uten å måtte møte personlig.
Den andre kraften var det nylig oppståtte DVD-formatet, som førte hjemmevideo av høy kvalitet til hjemmet til rimelige priser - og ga lisensgivere en unnskyldning for å finne og utstede tonnevis av nye produkter for å fylle butikkhyllene. Det ga også fans den beste tilgjengelige måten å se favorittshowene sine i sine originale, uklippte former: man kunne kjøpe en enkelt plate med både engelsk-kalt og undertekstutgaver, og ikke å måtte velge den ene eller den andre.
DVDer i Japan var og er fortsatt dyre (de er priset for å leie, ikke selge), men i USA endte de opp som varer. Snart dukket et bredt spekter av produkter fra flere lisensgivere opp i hyller i detaljhandel og utleie. Det pluss starten på en utbredt TV-syndikering av mange flere populære anime-titler i engelske dubs - Sailor Moon, Dragon Ball Z, Pokémon - gjorde anime som var mye lettere tilgjengelig for fans og synlig for alle andre. En økning i mengden engelsk-kalt produkt, både for kringkastings-TV og hjemmevideo, ga mange flere uformelle fans. Store videoforhandlere som Suncoast opprettet hele deler av gulvarealet viet til anime.
Problemet nytt årtusen
På samme tid utvidet anime seg langt utenfor Japans grenser, den ene store omveltningen etter den andre gjennom 2000-tallet truet veksten og fikk mange til å spekulere i om den hadde en fremtid.
Den første var implosjonen av Japans “bobleøkonomi” på nittitallet, som hadde skadet industrien i løpet av den tiden, men fortsatte å påvirke ting inn i det nye årtusenet. Kontraherende budsjetter og fallende bransjeinntekter betydde en vending mot ting som garantert skulle selges; edgy og eksperimentelt arbeid tok baksetet. Titler basert på eksisterende manga og lette romanegenskaper som var garanterte treff (One Piece, Naruto, Bleach) kom desto mer frem. Shows som tappet inn i den lette moé-estetikken (Clannad, Kanon,) ble pålitelige hvis også engangspenger. Oppmerksomheten flyttet fra OAV til TV-produksjoner, som hadde langt større sjanse for å få tilbake kostnadene. Forholdene i selve animasjonsindustrien, aldri gode til å begynne med, forverret seg: mer enn 90% av animatørene som kommer inn i feltet, drar nå etter mindre enn tre år med å jobbe brutale timer for liten lønn.
Et annet problem var økningen av digitalt drevet piratkopiering. Internettets tidlige oppringingsdager ga seg ikke til å kopiere gigabyte video, men ettersom båndbredde og lagring vokste eksponensielt billigere, ble det mye lettere å starte en hel sesongs verdi av episoder på en DVD til bekostning av blanke medier. . Selv om mye av dette dreide seg om viftedistribusjon av show som sannsynligvis ikke ble lisensiert for USA, var for mye av det kopiering av show som allerede var lisensiert og lett tilgjengelig på video.
Et annet sjokk var den verdensomspennende økonomiske krisen på slutten av 2000-tallet, som førte til at mange flere selskaper enten kuttet ned eller gikk under helt. ADV-filmer og Geneon var store tap, med en stor del av titlene deres flyttet til det konkurrerende selskapet FUNimation. Sistnevnte hadde, uansett mål, blitt den største engelskspråklige anime-lisensgiveren takket være distribusjonen av den enormt lønnsomme Dragon Ball-serien. Murstein-og-mørtel-forhandlere reduserer gulvområdet viet til anime, delvis på grunn av markedets krymping, men også på grunn av utbredelsen av online-forhandlere som Amazon.
Overlevende og utholdende
Og til tross for alt dette, overlever anime. Konvensjonsdeltakelsen fortsetter å klatre. Et dusin eller flere anime-titler (full serie, ikke bare enkeltplater) kom i hyllene i en gitt måned. De svært digitale nettverkene som gjorde piratkopiering mulig, blir nå også brukt aggressivt av distributørene selv for å gi legitime kopier av showene av høy kvalitet i fansenes hender. Den generelle presentasjonen av anime for ikke-japanske fans - kvaliteten på engelske dubs, bonusfunksjonene opprettet spesielt for utenlandske publikum - er langt bedre enn for ti eller til og med for fem år siden. Og mer eksperimentelt arbeid begynte å finne et publikum, takket være utsalgssteder som Noitamina-programmeringsblokken.
Viktigst, nye show fortsetter å dukke opp, blant dem noen av de beste som er laget ennå: Death Note, Fullmetal Alchemist. Anime vi får i fremtiden kan ha mye mindre likhet med det som er kommet før, men bare på grunn av anime lever og utvikler seg sammen med samfunnet som produserte det og den verden som frelser det.